조각가 홍순모와 함께 읽는 조형의 아름다움!

조형언어의 탐구를 통해 예술 감상과 창작의 새 지평을 열다

《조형의 울림》은 조각가이자 미대 교수로서 50여 년간 미술 교육과 창작에 헌신해온 홍순모 작가가 조형의 아름다움과 감동의 근원을 탐구한 미학 교양서다. 창작자의 조형론이 드문 오늘날 큰 가치를 지닌 저작이다. 조형예술의 본질부터 창작의 과정, 국내외 주요 작가들의 작품세계, 문화와 삶으로 확장되는 조형예술의 지평까지 폭넓게 다루었다. 특히, 일반 감상자, 작가, 비평가 모두 난해하게 느꼈던 조형언어를 체계적으로 풀어내며, 예술을 감상하고 창작하는 새로운 길을 제시한다. 책은 조형이란 단순한 ‘형태 만들기’가 아니라 감성과 이성이 맞닿아 사유로 거듭나는 창조의 과정임을 밝힌다. 이러한 관점에서 조형언어가 작품 속에서 어떻게 조직되고 구현되는지, 예술가의 직관과 경험, 기법이 어떤 원리로 조합되어 독창성을 획득하는지 다채로운 사례를 통해 설명한다. 나아가 현대미술을 관통하는 우리 전통 미학과 우리 삶과 문화에 흐르는 예술을 깊이 들여다본다. 현학적인 미술 비평과 흥미 위주의 미술 교양서가 난무하는 오늘날, 조형의 본질을 담백하고 명료하게 풀어낸 이 책은 창작의 길을 찾는 예술가뿐만 아니라 예술의 아름다움을 즐기고자 하는 일반 독자들에게 훌륭한 입문서가 될 것이다.

[목 차]
  

서문 5

 

1장 조형예술의 본질

형태는 사상이다 13

예술의 창작과 이해 20

21세기 예술창작론: 변화, 창조, 네트워크 25

21세기 예술의 이미지, 발상, 기법 36

완성의 형상과 미완성의 선형상 42

그림에게 조형을 묻다 47

창작의 조형론: 미술과 수학에 내재된 조합의 단순성 55

 

2장 조형언어와 창작의문법

조소의 조형언어와 재료, 기법 61

예술 창작의 정답과 해답 66

조형리듬 69

새로운 질서를 찾아서 72

조화의 묘미 74

변화 있는 인체, 변화하는 인간 76

조각의 유기성 79

드로잉의 근원과 탐색 81

토양 84

관찰 87

해석 90

표현 93

예술가의 내재율 95

균형 98

나의 미술사와 세계 미술사 100

무엇을 먼저 말할 것인가,

무엇을 먼저 생각할 것인가 102

전체와 부분의 유기성과 조형 비밀 104

보이는 대로와 느끼는 대로 106

구조의 조형 108

조형심리 110

창작의 조형 본질 112

조형의 아우라 115

단순성의 원리 118

변형 120

창작의 정체성 122

전체성 124

작품의 생명력과 감동 126

조형의 가치와 의미 128

비례와 비율의 의미 132

배열과 조합 134

창작의 상상력과 실천력 136

 

3장 조형세계로의 초대

박수근의 조형 내재율 141

불각의 김종영 세계 167

최종태, 신성과 조형언어 175

추사 서체, 조형의 집합체  187

모딜리아니의 조형미  190

칠리다의 모색  193

김환기의 예술혼 195

이중섭-위작 시비 198

김광진, 살아 있는 형상 질서 201

이상국, 구축과 해체  207

신경호, 예술의 한과 울림 215

김순애, 공감의 조형언어 222

유재호 예술의 재구성 225

 

4장 문화와 예술의 만남

한국 미감의 특성 231

발효 문화와 샐러드 문화 233

파괴의 미, 파격의 미 236

〈미륵반가사유상〉과 〈생각하는 사람〉 238

실경산수와 진경산수의 조형 알고리즘 242

‘정확히’와 ‘적당히’ 246

뉴욕의 건축과 환경 248

맨해튼의 비너스 250

뜨거운 미술 253

예술작품의 가치 255

예술작품의 조형 읽기 258

위작의 한계 260

육체의 눈과 마음의 눈 263

조형의 확산 265

자연과의 대화 267

 

5장 삶과 조형의 울림

무용수의 구조미 273

로댕과 카미유 클로델 276

예술가의 창작생활 279

그림을 위한 분별력 282

조형과 성형 285

미술을 점수로 매기는 고욕苦辱 288

오염되지 않은 순수 292

가르친다는 것과 배운다는 것 294

예술 수업 296

드로잉에 대한 단상 298

어떻게 보는가 301

바둑의 형태미 303

예술가의 광기 305

초심 307

 

연보 309

[본 문]
  

예술의 감동은 이미지의 감성으로 먼저 마음에 와닿지만, 작품이 깊어지려면 감성의 여운 위에 사유가 더해져야 한다. 좋은 작품은 지적 통찰을 품은 조형언어를 통해 읽혀야 한다. 물론 시각적 매체를 언어로 완전히 해석할 수는 없지만, 감성과 지성이 함께 어우러질 때 작품은 더 깊은 감흥으로 다가온다.(‘서문’, 5쪽)

 

이 작품의 재료는 해풍이 거센 서해안 해송이 자라는 갯벌의 흙이다. 이 재료는 석고 틀 안에서 성형할 때, 적절한 온도와 습도에 의해 표면장력으로 균열이 발생한다. 그러나 이 균열은 단순한 파열의 흔적이 아니라, 극복의 흔적이다. 그것은 고통의 상흔이자, 동시에 삶의 증거다. (‘형태는 사상이다’, 18쪽)

 

프랑스의 아비뇽 다리는 중간이 끊어진 다리임에도 아름답고, 한국의 기와인 ‘신라의 미소’는 일부 형태가 떨어져 나갔음에도 가상적인 완전한 형태보다 조형미가 충만하다. 끊어지고 깨어진 것처럼 보여도 아름다운 것은 완벽미보다 완결미가 더 깊은 감동을 주기 때문이다.(‘완성의 형상과 미완성의 선형상’, 44쪽)

 

자코메티의 조각은 그의 고향인 스위스 풍경을 닮았다. 수직적 철근 형태는 하늘로 치솟은 침엽수림의 전나무 군상을 떠오르게 하고, 거친 질감은 스위스 산악지대의 눈 덮인 바위산과 계곡처럼 느껴진다. 박수근의 형태 또한 한국의 습윤하고 기름기 없는 화강암의 질감과 조선 시대의 목물 같은 단순한 구조와 선으로 이루어졌다.(‘토양’, 85쪽)

 

김종영의 창작세계에 대한 연구는 문화의 속도가 아닌 방향에 대한 탐색이어야 한다. 그의 창작세계는 동서양의 예술정신과 조형의 본질을 분석하고 판단하여 자기화하는 융합적 조형정신이라 할 수 있다. 김종영이 주목한 조형정신의 중심인물은 추사 김정희와 세잔이다.(‘불각의 김종영 세계’, 167~168쪽)

 

최종태는 자신의 예술 형식의 조형미를 정관자득(靜觀自得), 즉 “맑은 마음으로 사물을 보면 얻는 바가 있다”는 자세로 형성해 나간다. 그는 고요한 관조를 통해 사물의 이치와 정수를 꿰뚫어보고, 그 안에서 자연 만물의 내재율을 터득한다.(‘최종태, 신성과 조형언어’, 181쪽)

 

신라 시대 ‘미륵보살반가사유상’ 역시 로댕의 ‘생각하는 사람’과 같은 좌상이다. 그러나 그 이미지와 감성은 완전히 다르다. 두 작품은 동일한 자세를 취하고 있음에도, 조형 해석의 방향성에 따라 전혀 다른 이미지가 형성되었다. 하나는 무거운 덩어리와 깊은 주름으로 ‘고뇌’를 표현하고, 다른 하나는 단아한 선과 곡선으로 ‘사유’를 상징한다.(‘미륵반가사유상과 생각하는 사람’, 240쪽)

 

로댕은 자신의 모델을 관찰하는 방식과 조형적 사고를 카미유에게 전하고자 한다. 카미유의 작품이 로댕의 작품 앞에서 유독 우울하게 느껴지는 이유는, 그녀가 자기만의 조형적 사고와 방법을 갖지 못한 채, 로댕의 틀 안에 갇혀 있었기 때문이다. 그녀가 로댕 앞에서 끝내 로댕을 넘어설 수 없었고, 결국 생기마저 잃게 된 이유는 바로 이 지점에 있다.(‘로댕과 카미유 클로델’, 277~278쪽)