도서출판 b가 〈셰익스피어 4대 비극: 햄릿·오셀로·리어왕·맥베스〉(William Shakespeare’s The Four Great Tragedies, 2025)를 출간하였다. 영국 에식스대학교 대학원에서 셰익스피어 시대 연극 전공으로 문학박사 학위를 받은 정통 셰익스피어 학자이자 참여연대 공동대표로도 활동 중인 성공회대 진영종 교수의 번역이다.

도서출판 b에서는 처음 내는 셰익스피어지만, 한국에는 이미 ‘셰익스피어 4대 비극’을 묶은 많은 판본이 존재한다. 여기에 또 한 권의 두툼한 책을 더하는 게 어떤 의미가 있을까? 출판사로서도 많은 고민을 했다. 하지만 진영종 교수의 원고를 검토하면서 우리의 생각은 바뀌었다. 이 책은 이전의 셰익스피어 번역본들과 ‘다르다’는 판단이 들어서다. 이 책은, 비유하자면, ‘대학’과 ‘시장’이 결합된 책이다. 셰익스피어 연극 전공 학자의 세심한 주석과 공연 대본으로서의 셰익스피어극에 대한 학문적 이해가 담긴 각 비극의 해설과 정교한 번역이 이 번역본의 학문적 성격을 보여준다면, 한국어를 쓰는 독자들이 접근하기 쉽도록 최대한 대중의 언어를 사용해 번역하고, 극에 등장하는 여러 단어, 문장의 쓰임이나 이해를 돕는 주석과 해설은 이 번역본의 대중적 성격을 보여준다. 역자 진영종 교수에 따르면, 16~17세기 셰익스피어극은 수많은 대중이 모여 그들을 웃고 울리며 상연되었던 ‘대중극’이었고, 이 책은 그 대중극의 성격을 살리려 고심한 흔적이 역력하다. 이 책은 그동안 ‘어렵고 고상한 셰익스피어’ 앞에서 감히 손을 대지 못하는 대중을 위해 번역된, ‘대중을 위한 셰익스피어’를 선언하는 어쩌면 최초의 번역본일지도 모른다.

특히 진영종의 셰익스피어는 다른 한국어 번역본들과 다른 점이 있다. 다른 번역본들의 역주가 주로 내용과 의미에 집중하고 있는 데 반해, 진영종본은 내용과 의미를 챙기면서도 극의 ‘공연’과 관련한 세세한 정보들을 빠짐없이 전달하는 데 최선을 다하고 있다. 하나만 예를 들어보자. 〈햄릿〉의 1막 5장 157행에는 햄릿 왕자 앞에 나타났다가 퇴장했던 유령이 무대 아래에서 소리치는 장면이 나온다. 그 부분은 “(무대 아래에서 외친다) 맹세하라.”로 번역되어 있다. 이 간단한 부분의 번역은 한국의 모든 판본이 유사하다. 하지만 이 대사의 지문(“(무대 아래에서 외친다)”)에 대한 역주는 오직 진영종본이 유일하다. 역주는 이렇다.

“당시 유령은 보통 무대 아래에서 등장하였다. 그러니 퇴장도 무대 아래쪽으로 하고, 지금 무대 아래에서 유령이 소리를 지르는 것으로 볼 수 있다.”

아주 작고 별것 아닌 것처럼 보이지만, 이 짧은 무대 공연 설명이 독자들에게 〈햄릿〉의 특정 대사가 지닌 맥락을 역사적으로 정확히 이해시킨다. 진영종본 셰익스피어에는 이러한 공연 관련 역주가 매우 많다. 독자들은 직접 극을 보지는 못하지만, 이 극의 이 장면이 셰익스피어 시대에 왜 이렇게 쓰여졌고, 어떻게 공연되었는지를 역주를 통해 이해할 수 있다. 이 작은 지식과 이해는 사실은 극 전체의 이해와도 통해 있을 것이 자명하다. 이는 다시, 역자 진영종 교수가 셰익스피어 시대 ‘연극’을 전공했기에 가능한 일이기도 하다.

‘대중적’이라는 말은 어린이나 청소년들도 읽기 쉽도록 어려운 단어를 쉽게 쓰고, 난해하거나 외설스러운 장면을 삭제했다는 의미가 아니다. 진영종 교수의 셰익스피어는 가장 철저한 방식으로 번역했으며, 단 한 단어도 빼거나 줄이지 않았다. 진영종본이 ‘대중적’이라는 말은 원어민들도 각주 없이는 읽기 힘든 르네상스 시대의 셰익스피어 영어를 한국인들이 매끄럽게 읽을 수 있도록 번역했다는 의미이고, 장면과 대사와 지문의 공연 시 맥락을 세심하게 역주로 설명해 주었다는 의미이며, 원고지 420매 분량의 전체 해설과 각 비극 해설을 통해 극의 앞뒤, 겉과 속을 매우 평이하고 명료한 언어로 전달했다는 의미다. 요컨대, 진영종본 셰익스피어는 이 책 한 권만으로도 ‘누구나’ 셰익스피어 4대 비극을 이해하게 만드는 데 전혀 부족함이 없는 품질을 이루어냈다는 의미다.

참여연대 공동대표로 활동하며 2024년 12월 3일 이후 탄핵 정국에서 시민 사회의 투쟁의 주역이 된 진영종 교수이기에 더 ‘대중성’의 중요함을 알지도 모르겠다. 이 책의 출판 과정 중에도 그는 ‘월간 김어준’에 고정 출연하며 셰익스피어 극 하나하나를 대중들에게 꾸준히 설명해 왔다. 팟캐스트를 들어본 사람들이라면 진한 경상도 사투리로 마치 동네 아저씨가 설명하듯 셰익스피어를 설명하는 진 교수의 목소리를 기억하며 웃음 지을 것이다. 이 책은 바로 그 목소리가 글자로 가감 없이 전환된 책이다. 팟캐스트에 출연하며 대중에게 어떻게든 셰익스피어 극의 의미를 전달하려 노력하는 그 정성이 바로 이 책으로 결실을 맺은 셈이다.

그렇게, 진영종 교수는 멋있는 번역보다는 솔직한 번역을, 기존의 번역보다는 새로운 번역을, 고상한 번역보다는 보통 사람의 번역을 택했다. 400년의 세월을 거치며, 이제는 개별 문학 작품을 넘어 인류 전체의 ‘레퍼런스’가 되어 버린 셰익스피어는 누구나 읽을 수 있고, 누구나 읽어야 할 텍스트다. 셰익스피어를 만나고 싶은 이가 있다면, 진영종이 번역한 이 4대 비극, 이 ‘대중적 셰익스피어’로 그 만남을 시작해 보시기를.

-역자의 말

“시로 이루어진 대사는 장면보다 훨씬 더 비중이 높다. 모든 대사가 시로 이루어진 것은 아니다. 그러나 시와 일상어로 이루어진 대사에서 시가 차지하는 비중은 압도적이다. 초기작 〈타이터스 안드로니커스〉의 경우는 작품 전체가 시로 이루어져 있다. 그리고 이 작품을 통해 셰익스피어가 런던 연극계에서 이름이 알려지는 계기가 되었다. 일반적으로는 셰익스피어 연극 작품에서 국왕과 귀족들이 하는 대사는 시로 이루어져 있고, 평민들이 하는 대사는 일상어로 이루어져 있다. 그리고, 극중 인물이 중요하고 긴 대사를 할 때는 시로 표현하는 경우가 다반사다. 시로 일상적인 대화를 하는 것이 우리에게는 매우 낯설다. 일반적으로 시는 자신의 내면을 드러내고, 주변의 상황을 설명하기도 하고, 자신의 감정을 타인에게 전달하기도 한다. 그러니까, 시라는 매체 자체는 매우 열려 있는 매체라고 볼 수 있다. 연극 작품에서 일상 대화체에 익숙한 현대의 독자들에게는 매우 낯설 수밖에 없는 것이다. 큰 비중을 차지하는 시로 이루어진 대사는 현대 독자들에게 낯설 뿐만 아니라, 번역자에게 아주 어려운 과제를 안겨준다. 셰익스피어 시대의 시 자체를 번역하는 것도 매우 힘든 일이다. 그런데 시로 된 대사들을 순수한 시로 번역했을 경우에는 극적인 흐름을 이어가는 데 방해가 될 수가 있다. 그렇다고 모두 일상어로 번역하면 원래의 작품을 너무 훼손하는 꼴이 되고 만다. 셰익스피어 연극 작품을 번역한 많은 사람이 이런 당혹감을 느꼈을 것이다. 그래서 어떤 번역자는 운율까지 맞춘 시로 번역하고, 또 다른 번역은 일상어로 되어 있기도 하다. 이번 번역에서는 우선 독자들이 쉽게 읽는 것을 최우선시하였다. 그러고 나서 대사의 시적인 면을 살리려고 하였다.”

(〈셰익스피어와의 대면〉에서)

“유랑 극단의 등장은 잉글랜드 고유의 이야기로 볼 수 있다. 셰익스피어는 〈햄릿〉에서 그의 다른 작품에서와 달리 당시 극장의 세계에 대하여 등장인물의 입을 통하여 자세히 설명하고 있다. 본문 각주에서 설명하듯이 특히 3막 2장에서 유랑극단의 배우와 대화하는 장면은 셰익스피어가 〈햄릿〉을 쓸 당시의 극단 상황과 매우 밀접하게 연관되어 있다. 당시 유명한 희극배우 윌 캠프Will Kemp가 셰익스피어 극단을 떠났다. 아마 셰익스피어와 연극의 방향을 둘러싼 갈등이 있었던 것으로 보인다. 윌 캠프의 등장을 기대하는 관객에게 그가 등장하지 않는 이유와 그 타당성을 극적 상황과 절묘하게 결합시켜 설명한다. 그리고 극중극을 통하여 햄릿이 클로디어스의 양심을 끌어내듯이 셰익스피어는 연극의 목적을 ‘세상을 거울에 비추는 것’이라고 설명한다. 그래서 셰익스피어가 연극, 배우, 연기에 대하여 어떻게 생각하였는가를 연구하는 데 이 장면이 가장 많은 시사점을 준다.

그리고 무덤 파는 장면 역시 당시 잉글랜드 관객들이 즐길 수 있는 말놀이로 구성되어 있다. 이 장면은 셰익스피어가 당시 관객들을 위하여 독창적으로 삽입한 것이다. 또 위에서 설명한 미친 오필리아와 그녀의 죽음도 〈햄릿〉의 독창성을 보여주는 중요한 대목이다. 그러나 레어티스와 관련된 부분은 복잡하다. 셰익스피어의 작품에서 햄릿, 포틴브라스, 레어티스 모두 아버지의 복수를 꿈꾼다. 특히 햄릿과 포틴브라스는 성격이 정반대로 평행을 달리는 인물이다. 그러나 세 사람의 관계나 끝맺음이 모호하다. 그래서 포틴브라스가 등장하는 장면과 대사는 판본마다 약간씩 차이가 난다. 그리고 18세기 이후 〈햄릿〉을 연극이나 영화로 만들 때 포틴브라스가 나오는 장면을 완전히 삭제한 경우들이 많았다.”

(〈햄릿〉 ‘작품 해설’에서)

“잉글랜드 사회는 정치적 혼란으로 내전을 겪던 중인 1642년에 연극을 공연하는 극장이 모두 폐쇄되었다. 그리고 1660년 왕정이 복고되면서 극장도 다시 문을 열었다. 그렇지만, 새롭게 왕정이 복고되고 극장이 문을 열었을 때 셰익스피어의 작품이 절대적 인기를 누리지는 못했다. 이전에 있었던 내전과 국왕의 처형, 왕정복고 등의 민감한 정치적 상황에 셰익스피어의 비극이 적절하지 않았을 것이다. 그렇지만 이 와중에도 〈오셀로〉는 1660년 극장이 다시 문을 열었을 때도 무대에서 꾸준히 인기 있는 작품이었다. 아마 오셀로라는 인물이 이방인이며, 데스데모나의 살해를 둘러싼 극의 전개가 정치적이라기보다는 가정적인, 매우 개인적인 것으로 받아들여졌기 때문일 것으로 추론할 수 있다. 〈오셀로〉는 오히려 매우 개인적인 감정을 그리는 작품으로 다른 비극과 구분되는 작품으로 받아들여지기 시작했다고 볼 수 있으며, 개인의 역사, 개인의 감정을 중심으로 전체를 이해하는 현대적인 관점을 구현하는 작품이라고 할 수 있다. 따라서 〈오셀로〉는 18세기, 19세기 이후 새로운 관점에서 재조명, 재창작될 여지가 많은 작품으로 평가되었다. 그리고 인종 문제, 이아고의 동기 등 끊임없이 새로운 해석들이 나오면서 여전히 살아 있는 작품으로 우리와 함께 하고 있다.”

(〈오셀로〉 ‘작품 해설’에서)

“광대는 극중 인물의 역할과 관객을 무대 위에서 대변하는 역할을 넘나든다. 광대가 리어왕에게 빈정거리듯이 비판하는 대사는 관객들의 관점을 리어왕에게 전달하는 것이라고 볼 수 있다. 셰익스피어는 이런 인물을 통하여 관객들이 간접적인 방식으로 연극에 직접 개입하는 길을 열어 놓았다고 볼 수 있다. 이 또한 셰익스피어가 뛰어난 극작가로 평가받을 충분한 이유가 된다. 우리는 기존의 틀에 갇혀서 셰익스피어를 읽을 때 작품, 더 정확하게는 인쇄된 대본 혹은 무대 위에서 일어나는 좁은 연극의 세계에만 매몰되어 있는 경우가 많다. 인쇄된 책이나 무대에서 벗어나 당시의 세계나 연극이 공연되는 관객이 존재하는 극장이라는 세계로 시야를 넓힐 필요가 있다. 이런 관점을 우리는 광대의 대사를 통하여 어렵지 않게 확인할 수 있다.

광대의 대사뿐만 아니라 광대가 부르는 노래도 한번 다시 생각해 볼 필요가 있다. 광대가 부르는 노래들은 대부분이 셰익스피어가 독창적으로 지어낸 노래가 아니라, 당시 사회에서 널리 불리던 발라드를 그대로 인용하거나 약간의 변형을 가한 것이라고 볼 수 있다. 광대가 무대에서 부르는 노래가 관객들이 모두 아는 노래라는 사실은 중요하다. 즉 관객이 극 중 이야기와 완전히 거리를 두는 것이 아니라, 무대의 광대와 객석의 관객이 하나가 되어 무대를 뛰어넘는 극장의 세계를 만들어 간다는 것을 의미한다.”

(〈리어왕〉 ‘작품 해설’에서)

“셰익스피어가 〈맥베스〉를 집필하고 공연할 당시의 극장은 천정이 뻥 뚫린 야외극장이었고, 기록에 따르면 오후 2시에 공연을 시작하여 2시간 정도 소요되었다. 무대에서 어두운 장면을 사실적으로 재현하는 것은 불가능했고, 셰익스피어도 이 사실을 알고 있었다. 그런데 셰익스피어는 왜 이렇게 어두운 밤을 배경으로 연극을 만들었을까? 배경이 밤이라는 사실은 배우들의 대사를 통해서만 관객과 독자들에게 전달된다. 그리고 대사를 통해서 전달되는 밤은 그냥 평범한 밤이 아니다. 특별한 밤, 구체적인 분위기를 띠고 있는 밤이 셰익스피어의 탁월한 언어를 통하여 관객들에게 전달되는 것이다. 1막 5장에 나오는 맥베스 부인의 밤을 설명하는 독백은 그야말로 끔찍하다.

그대 살인의

대행자들아, 모든 곳에서 보이지 않는 모습으로,

자연의 악행을 도와라, 오너라, 칠흑 같은 밤아,

지옥의 가장 어두침침한 연기로 나를 덮어

나의 날카로운 칼이 자기가 낸 상처를 못 보게 하고,

하늘이 어두운 장막의 틈새로 엿보고선,

‘멈춰, 멈춰라’하고 외치지 못하게. (47~53)

맥베스 부인이 말하는 어둠을 관객이 받아들이는 것과 독자가 생각하는 것에는 차이가 있을 수 있다. 우선 관객은 환한 대낮에 무대에서 배우가 위의 대사를 하는 것을 직접 본다. 반면 독자들은 마음속에서 자기가 이해한 밤을 상상할 뿐이다. 셰익스피어의 연극이 공연을 위한 대본이라면 관객들에게 어둠이 의미하는 바를 매우 생생하게 전달하려고 했을 것이다. 이를 위해서는 어둠에 뚜렷한 성격을 부여해야 할 것이다. 맥베스 부인이 어둠과 연관시키는 것은 우선은 ‘살인’이며, 이에 도움이 되기 위해서는 ‘어두침침한 연기’가 필요한데, 이는 살인의 결과를 아무도 보지 못하게 하는 것이다. 이렇게 셰익스피어는 뛰어난 언어 구사로 환한 대낮에도 어둠의 효과를 전달하고 있다. 그러므로 우리가 〈맥베스〉를 읽을 때는 셰익스피어가 언어를 통하여 어둠에 어떤 성격을 부여하고 있는가를 잘 살펴서 읽을 필요가 있다. 작품에서는 횃불 내지 촛불을 들고 등장하는 것으로 어둠이 표기되고 있다.”

(〈맥베스〉 ‘작품 해설’에서)